关于“图”

蒋胥之

摘 要：随着时代的变化与发展，绘画作品的内容越来越丰富，主题多种多样。而所有绘画作品在创作之初都是艺术家们想要表达的思想和情感，不管是生活百态，还是抽象的色块组合，画面上都有不同样子的“图”。“图”的描绘是艺术家的有意识表达，这是绘画创作的灵感来源。

关键词：“图”;绘画创作;有意识的表达

“一切图画都是对观看的记述。”这是大卫·霍克尼对一幅绘画作品的来源最直观的描述。笔者认为这句话比较片面，图画的内容不仅仅是对肉眼看到景象进行记录，还有脑海中场景的憧憬和想象，当然可能还有更深层次的表达。同样是描绘一头牛，在一万七千年前，阿尔塔米拉洞窟壁画上的牛可能是生活的物象，也可能是图腾或者一种精神寄托，我们已经无从考究。而毕加索笔下的牛，是从一个具象外形中抽象出一个具有永恒意义的形象，展现他自我的艺术境界和人生追求，同时也在传递着立体派的审美。艺术是人类精神需求的必然产物，不同时代的图画有其独特的意义。用线条和色彩画出画牛的图形，牛就成為了象征对象。衣服或者包装盒上的牛的图案是一种装饰纹样，为了美观。“图”是一个看似简单又复杂的字眼，其中包含着太多情感、意识及表达，而绘画的创作离不开“图”的形态、意义。

一、对“图”的解读——有意识的表达

绘画作品中都存在“图”。上文提到的图画是较为笼统的概念，可以把“图”分为图形、图像、图案来理解，这三者之间相互依存也能独立存在。不是随意涂抹的图画就能称为一件绘画作品，更称不上是艺术品。就笔者的创作经验来说，画面中会用规整的或是不规整的图形进行构思和勾勒，通过色彩和形状的组合形成的图像完成对事物印象的描绘，不同图形的搭配构成的图案点缀画面，甚至抽象地表达情感，都是有意识地用不同的形式表达情感。笔者将有意识的表达理解为对意象的描摹，首先需要有审美感觉和情感，其次才会对事物产生联系，发生情感的交流和共鸣。

呈现在画面上的不仅仅是一种记录，能够将想表达的内容画下来一定是因为其是特别的。克莱夫·贝尔提出“有意味的形式”，对其的解读有很多种。笔者赞同嘉川说的“唤起人们思绪和引起情感激荡的形式”，让人产生审美激情，以构建出一个精神世界，展现着生命力和热情。一旦成为形式，“图”就是具有个性化特点的，有一定的辨识度。林风眠的人物造型特点别有韵味，概括的五官刻画、线条的流畅圆润、和谐的画面形式感逐渐形成了他独特的绘画语言，他在有意识地表达他的精神世界。图形可以引发联想，比如圆形可以代表太阳、杯口、瞳孔，方形可以被臆想成门框、饼干包装等，艺术家不同的经历、不同的时代背景、创作时的情感状态等引发的图形联想会不同，也就是意象会有所变化。艺术是有时间和空间的，绘画作品也是如此。能够进行表达的前提是有审美感觉，能够有意识地将意象选择和组合，从而达到审美追求。当然，在创作中有时无意识的笔触和色彩的碰撞，也会给绘画作品锦上添花。

二、有意识的绘画是创作的源泉

在绘画创作中，艺术家是主体。任何自由的艺术创作都是以情感愉悦为直接意图的，而以获得报酬为目的的作品是有目的的私人定制作品。无论是哪一种形式的创作，画面中一定都有艺术家本人想要表达的思想情感。艺术创作的过程是人对自己重新认识的过程，也是人对社会的观察和思考过程。有人说人人都可以成为艺术家，然而事实却并非如此。绘画作品呈现的是艺术家内在精神与外在现实的形象反映，在不断自我否定和自我肯定的相互转换中逐渐摸索出表达方式，满足艺术家的审美需求。

“图”是具有个性化的，创造“图”的艺术家在创作中需要展现个人特点，保持身心和外在的平衡，与其说是有意识的表达，不如说是感性与理性的结合体现。假设在看一件原本认为很美的事物，仔细看了之后就不认为是美的了，甚至看久了就会觉得不认识它，因此创作时常常需要身临其境，也需要有抽离出来的能力，有意识的绘画就显得十分关键。很多人可能会认为创作就需要面面俱到，所有体现质感的细节都要达到极致，但往往创作就会不尽如人意。有意识指的是创作的初衷，是自己能掌握和捕捉的情感意象、感情形式，换句简单的话讲就是要有主次。很多古埃及壁画是为了服务于法老的权威而存在的，侧脸正身的人物造型图像使其具有独特性。而这样的绘画方式是古埃及的艺术家源于自然、观察自然的结果，也遵循了信仰的法则，它所展现的特点超越了个人，统领了古埃及一千多年的绘画风格。也许在某一方面来说，这样的规律束缚了绘画的发展，但那同时成为了古埃及的象征，体现了当时人们的审美追求和精神世界。

对于画家来说，很多题材是亘古不变的，但表达方式却是千变万化的。在费尔南多·博特罗的绘画作品中，体积的夸张表达成为了独特的艺术语言符号。“抽象艺术是一种符号的表现形式”，但博特罗没有为了符号而创造符号，他首先考虑的是在作品中要找到自我，思考什么才是他最想要的，而能给他带来激情和快乐的是他用自己的方式对体积进行表达。博特罗认为艺术就是夸张的，而他的夸张手法就是主观地将事物变形，将体积的表现达到极致。很多人把他所描绘的形象称为“胖子”“胖人”“肥胖”，笔者认为这稍显片面，这些圆鼓鼓的形象是他对体积的完美诠释，在他的笔下变得很容易辨认。费尔南多·博特罗在提炼艺术的同时凸显出个性化和独特性，在实践过程中逐渐形成了自身的绘画风格。

三、有意识的创作是对艺术的继承与创新

个性化的艺术表达是现代艺术家们不断寻找自我的方式，让自己的绘画语言更有辨识度。有人说罗马帝国的艺术作品是抄袭而来的，有些神话故事甚至照搬其他文化，而笔者认为那不是照搬和抄袭，而是继承和发展。任何事物的形成都是前后有关联的，后者在前者的基础上有所保留，有所创新。在巴洛克艺术的基础上发展了洛可可艺术，在现实主义的基础上发展了印象派，尽管两者之间有一定的相似之处，但是时代背景的变化让艺术更新了面貌。有意识的绘画创作是在继承，也是在发展和创新。艺术家原本对艺术有一定的认识和见解，而能让艺术家涉足原本空白的领域的原因正是他们忠实于自我，这使得人类的艺术宝库因为新因素的增添而更加丰富。

大卫·霍克尼是忠于自我的艺术家，常用童真的心态对待世界，他用丙烯、水彩描绘家乡，用鲜活的语言来表现不同季节的景色，不完全写实的方式在画面中显现的是他的意象表达，这样的艺术境界是超出常人的。笔者曾经临摹过大卫·霍克尼的作品，照着他简单的色彩、图形画出来的却是一幅没有生机的图画。大卫·霍克尼对艺术不仅仅是了解，而是结合自身的体会进行实践，在不断实践的过程中，以其独特的方式创造出他的画面语言符号。苏珊·朗格提到过：“艺术是人类情感的符号形式的创造。”从古至今有许多关于维纳斯的雕塑、油画作品，虽然没有一件是完全一样的，但是艺术家们在创作的过程中，都将眼中最美的形象画出来，在其作品中寄托他们对美的追求和热爱。《维林多夫的维纳斯》这件雕塑作品与我们常见的维纳斯形象大不相同，其突出胸部和臀部，体现了旧石器时代的人们的生殖崇拜。波提切利的《春》中的维纳斯，比例、色彩和谐，体现了文艺复兴时期的审美倾向。

在特定的环境中，有意识的创作会使作品具有时代性，在向前不断摸索的道路上竖起标杆，这对艺术家们来说是不断超越自我的过程。似乎并不存在什么完美的方式能让绘画作品做到完美无瑕，但每一种尝试都是一次新的体验。我们应该继承什么？应该继承的是对已有艺术作品的审美观念和创作方法。我们应该创新什么？应该创新的是在继承的基础上更加表现自我的活力与激情，有意识地表达和传递有温度的艺术作品。

关于“图”，其实就是一种有意识的自我表达。罗丹说，“艺术就是情感”。的确如此，艺术是艺术家们倾入情感的结晶，绘画作品也一样是画家们的情感表达。多样的图形变化形成有个人特色的绘画语言，应该是每个艺术家想要追求的，当然这不是最终目的，但是创作的灵感是需要有个性的、有激情的，来自灵魂深处的表达更接近艺术的本真。

参考文献：

[1]霍克尼，盖福德.图画史：从洞穴石壁到电脑屏幕[M].万木春，张俊，兰友利，译.浙江：浙江人民美術出版社，2017.

[2]嘉川.东方审美思维和艺术表现的原始形态性特征[J].文艺研究，1993（5）.

[3]朗格.情感与形式[M].李泽厚，译.北京：中国社会科学出版社，1986.

[4]约翰逊.艺术的历史[M].黄中宪，译.上海：上海人民出版社，2008.

作者单位：

苏州大学