浅论粉彩艺术创作的几点感悟 /余景艳

粉彩艺术一直受到陶瓷艺术家们的厚爱。粉彩艺术强调线与面、墨与色的相互渗透，使线与墨色的混合整体效果显示出来，强调“计白当黑”“知其白，守其黑”的价值，为绘画主体充分显现形象及环境整体效应，这一过程好像听起来容易，但要真正实施起来可不是一日之功。

一、粉彩工艺

粉彩陶瓷艺术装饰在清代康熙时期得到了很大的发展。由于粉彩装饰具有粉润、清秀、雅致的优点，历来深受国内外陶瓷艺术鉴赏家和爱好者们的推崇和爱护。粉彩是在古彩和珐琅彩的基础上发展而来的，进入清康熙时期，五彩的发展可以说逐渐成熟了，其技术特点是运用乳香油拌珠明料进行描绘。由于乳香油有较好的润滑性，良好的附着力，这样就可以较好地表现精致的纹样，其中釉上古翠就是蓝色等多种色彩的出现，从而形成了完美的五彩体系，摆脱了釉下单色青花的限制，拓宽了艺术表现的空间。粉彩色泽较厚，有堆料立体感，其原因是：主要以铅、砷等化学熔剂，再经760～780℃左右的温度烧烤。出炉后手摸花纹有凹凸不平之感，而且色彩粉润柔和、淡雅、丰富，色泽鲜亮明快，以及线条工整细腻、流畅生动的艺术效果，从而奠定了陶瓷粉彩特色工艺基础。恰恰是这种工艺它又很好地融入了中国画风，使粉彩陶瓷艺术装饰从早期发展至今，逐渐形成了独特的艺术品位和装饰风格，从而粉彩陶瓷艺术具有非常突出的地位，由于粉彩陶瓷艺术装饰操作工艺复杂，材料性能难以掌握和控制，这就要求创作者要掌握粉彩的性能和技巧，熟练地应用到陶瓷绘画创作中。

粉彩艺术虽融入中国画技法，有着“瓷上国画”之美誉，但必然与在纸上、布上进行创作的工艺、材料、技法有很大区别，因为陶瓷造型各异，尤其涉及到平面和弧面的构图和绘制，这就要求陶瓷艺术工作者不仅要掌握平面上绘制，还要掌握造型不一弧型的瓷面上流畅绘画，尤其是粉彩颜料与之相差巨大，之后还要经过窑温见分晓，因此粉彩艺术创作的每个步骤，都考验了陶瓷艺术工作者的自身功底。

二、突破程式化

当创作者熟练地掌握了陶瓷粉彩工艺之后，接下来就是绘画创作，然而绘画是一门综合修养的视觉艺术，艺术的视觉效果是给人欣赏的直接性与内在心理相联适应的过程，这充分说明创作一件成功的作品往往增加感性的愉快和理性分析双重的满足。由于传统程式的约束，使得许多创作者似乎变得没什么作为，它似乎就是模仿而不是独创。程式对于创作来说是致命的，因程式的束缚使得作品缺乏艺术活力，画面的视觉平板且流于雷同，或借助于古人作品的局部加以改头换面，或对今人的作品进行东拼西凑，陈陈相因。我们不该削足适履地用一套烂熟于心的笔墨技法，试想这种程式的笔墨技法又怎能表现丰富多彩的生活而触动欣赏者呢？因此，作为粉彩花鸟的创作者，就应该摆脱花鸟画长期生存在传统与现代的夹缝中一咏三叹、裹足不前的困境，理清思绪，明确把握创作目的而最终达到创作目的。

笔者的作品《富贵白头》在创作起初就考虑用新颖的手法来突出牡丹盛开的图景，突破传统的程式，以此来达到欣赏者的认可。牡丹是国花，花硕色艳。因此考虑用稳定均衡的法则来布置画面，使作品内容和形式达到完美统一，横倚时避免头重脚轻、左右对称。除了注意干枝和花叶的均衡外，还利用墨色的浓淡或配以石块造型，其目的是达到画面重心均衡。尤其是这幅作品吸纳了摄影艺术用光法则，以侧光的形式来布置画面光影效果，丰富了花瓣和花叶的层次，更显牡丹雍容华贵、富丽端庄的特征。画作以求敷色典雅、清新、明净，达到轻拂丹青、荣华为贵的画境。绘画是心灵的创作，不是工匠画图，该取则取、该舍则舍、该借则借、该变则变，这是突破程式绘画的四法则，取乃选取经典，舍则舍弃无意义的章节，借是借精彩而生动的形象嫁接于此，变则是有变化、有概括、有夸张等。

三、写生奠定了基础

有些绘画者虽然掌握一定的技艺，但始终画不出像样的作品，从某种角度分析，就是缺乏对现实生活的观察，脑子里缺乏创作资源，因此注重观察，注重写生是何等的重要。观察是绘画创作之前的窥探和共鸣，是现实的熏陶，这种熏陶无论如何临摹他人作品都无法得到。这就需要到自然界中去体验并以写生的方式记录下来，从而获得新思维、新观念以及大自然赐予的营养，当然机械的写生方法同样是不可能产生感人肺腑的艺术杰作。粉彩绘画遵循中国绘画艺术创作所形成的写生在前，创作在后的步骤，写生并不是简单地描绘含糊不清的图像、轮廓，而是对自然物的深邃体察，在心中蕴积成一种资源意识、一旦创作意识来临，脑海自然就会搜索累积的资源、客观物象并以绘画语言表达出来。例如笔者经常在莲花塘散步，亮丽的荷花经常吸引着我，久而久之唤起了我的创作意识，作品《蝶恋花》也就因此诞生了。首先在造型上做了充分的思考，因载体造型别致，窄而高，而荷花是清高的象征，因此把荷花枝干设计得很高，让出污泥而不染的荷花高高在上，也吻合了载体造型。整幅画写意、写实并用，以虚与实的方式突出画面景深，一眼望去狭窄的载体反而感觉到荷塘宽而广。荷花采用了没骨法画，画面稀疏，随意中见率气，使荷花更显纯洁典雅，给人以花香四溢，沁人心脾之感。荷叶点染秀雅而沉稳，虽不十分突出，为的是不与荷花争艳而显荷叶的清秀，画面中两只蝴蝶在荷花上盘旋飞舞，不但给画面带来生气，还寓意着人间情人比翼双飞之意，因为蝴蝶是幸福、爱情的象征，它能给人以鼓舞、陶醉和向往。整幅画作体现“落墨即是，出笔便巧”之特点，通过运笔、用墨、敷色等表现手法，简练地描绘花、叶、蝶的状貌和特征，能给人以精神上美的享受。

许多著名的画家都是很注重写生，他们畅游风景名胜，甚至长时间蜗居于风景区，因为写生首先是培养发现能力，很多好的形象、好的题材都可能在写生中得以挖掘和拓展，它可以打破传统绘画狭隘题材的局限和对形色的偏见，使画充满个性化的视觉形象和强烈的时代精神。随着视野的不断开阔，就会发现更多、更为丰富的植物品种和新的视觉形象。这也就是艺术家为什么长期深入到大自然中，和大自然亲密接触的缘故，物我交融，自然会迁想妙得，神遇而迹化。如果画者足不出户，只是买很多画册闭门自学，肯定地说这类画者是临摹高手，称不上创作者。自然界不是缺乏好的题材和好的视觉形象，而是闭门自学者缺乏发现题材和视觉形象的能力。粉彩花鸟画重写生，它的创作方法和创作精神十分强调画家要通过耐心、细致的手写心记来把握形象、把握意境、把握气氛。借助无限丰富的自然世界来表现生机、生趣，同时传达作者的情感情思。

四、把握个性的视觉造型

当研究一些名家艺人的创作方法和精神，就很容易分析出，个性化的思维模式是成就一个艺术家的最重要的武器。以自己的眼睛观察世界，以自己的心灵感悟世界，以自己的方式诠释生活，独具慧眼，另辟蹊径，这就是个性风格的真正含义。如徐仲南的一些竹石作品，他的竹石就形成了不尚华丽、追求平淡古雅的创作风格，粉彩着色光亮淡雅，层次清晰。清冷的色调，概括的笔法，把对物象观察过程中灵感显现转化为视觉语言形象，形成了他清逸古雅的个性风格。他的粉彩作品《清影摇风》中的竹干、竹枝，笔道墨韵利落有力，苍劲挺拔，气脉连贯，节节有韵，从视觉感觉出秀竹劲节凌云之气的造型。没有视觉造型的个性思维模式就没有新颖的个性造型语言，因为视觉形象的提炼不是一种简单的描摹物象轮廓而得到的视觉形象的实体，它应该是视觉物象在作者视觉感悟之后的一种经验上的把握，是一种用虚体的形象，综合起来说明实体存在的一种精神创造，是画家超然顿悟了的自然形象，它是一种有感而发的本质意象，是画家内心深处那种潜在的激情迸发，是伴随着作者饱满的创作热情和活跃的艺术思维。是提炼画家内心情感和意趣，是自然形象的夸张、概括而加以塑造的。它不再是强调视觉主体的简单刻画，而是把它们作为视觉语言因素加以强烈的人格化、符号化，而写生正是发现和培养这种个性思维模式的有效途径。

总之，境界越开阔，艺术品味就越高，在粉彩艺术的创作中最重要的不是呈现外部世界，而是倾听心灵的声音。当你是一名陶瓷粉彩艺术创作者，你就得把握好粉彩的应用，摆托旧的模式，不断积累有效素材，创造个性特色，用心灵去涂抹每一块颜色，用情感去勾勒每一个造型，使每一个局部留下灵与肉冲撞的痕迹，作品才会生动，才能熠熠生辉。