浅谈诗画结合的美学特征

◎秦蓉蓉

在我国几千年绘画的历史长河中，山水画占有极其重要的地位和比重。一开始所谓的山水画只是作为人物画中的背景，或者是以陪衬的形式出现的。

唐朝是我国山水画蓬勃兴起的时期。这一时期的画坛巨星级画家主要有李思训、李昭道、王维、毕宏等人，其中尤以李思训、李昭道（又称大小李将军，是唐朝青山绿水画的骄傲），和王维堪称个中翘楚。

但在唐朝，青绿与水墨齐举，写实与写意兼具，其写意与水墨一路，当首推王维为个中巨擘，是一个时代水墨开创者的大师和杰出代表，以水墨为主，倡导“画中有诗，诗中有画”成为后世文人画的鼻祖。王维，字摩洁，原籍祁（山西祁县），唐玄宗开元年间进士，官至尚书右丞，人称“王右丞”，擅画山水和人物，并且所画的画充满着出尘的诗意，是位诗画兼具的诗人画家。苏东坡评他“诗中有画，画中有诗”，董其昌尊他为“南宗”与“文人画”。

对于一幅传统的中国画来说，把诗、书、画、结合起来，才更为完整。诗、书、画结合可以把几种艺术融为一体，相互辉映，既能丰富画面内容，又能扩大画面境界，给人以更多的审美享受。这在西洋绘画中是没有的，是中国画的又一特点。

在宋代以前，画上是很少题字的，偶然有字，也只是在不显眼的角落里，写着作者小小的姓名；那时虽然也有题画诗的，却不是写在画面上的。到了唐代，才有一些诗人兼书法家的画家，开始在自己作的画上书一段题记或一首诗。这样，诗、书、画开始结合起来，中国画历史发展中的文人画也开始了萌芽。

文人画是中国绘画史上的一个专有名称，泛指中国封建社会中的文人、士大夫的绘画，以区别于民间画工和宫廷画师的绘画。

书画的结合包含有两层意思：一是画家本人就擅长书法，是个书法家，由于书画同源，作画时便自觉不自觉地以书入画了，这既能显示画家的细致，又能表现书法家的飘逸；二是以书写款或题字在画面上，与画面形象协调搭配。这样书入了画就成为了画中必不可少的一部分，构成中国画的另一种形式美。

诗与画的结合也是随着书与画的结合而出现的，也就出现了喜欢作诗或作词的画家，而书法又写的不错，这样他就把他的诗书到他的画上了。

绘画史一般把王维看成是诗画结合的创始者。说他是一个“诗中有画，画中有诗”的代表人物，但苏轼也是一个诗画结合的积极倡导者和实践者，后人又评价苏轼，说他“以诗为有声画，画为无声诗”，这也是一个很高的评价，看来王维和苏轼便是诗画结合当之无愧的典范。

诗画作为两门艺术，各有长处与短处，两者结合起来，便能取长补短。画表现的事物直观、具体、真实、便于领略，但它要受时间和空间限制，只能选取一瞬间的静止状态；而诗则不受时间和空间的限制，可以写事物在不同时间、不同地点的发展变化，天上地下，古往今来，东西南北，自由驰骋，容量比画大得多。把诗与画结合起来，可以使静止的画面活跃起来，画面的容量膨胀起来。因此，诗与画的结合使二者交相生辉，更趋完美。

绘画艺术品还具有自娱和娱人的艺术功能，山水画可以引领人们进入林泉胜境，让人们在山水自然美中尽情地感受大自然带给我们的脱俗的享受，使整个身心都感受到非常愉快的满足，获得审美享受。无论是宋朝还是清朝，诗人们都持有山水画可以赏心悦目的态度，并且诗人为山水画题诗，往往将畅神愉性，悦目赏心的审美体验写入诗中，从而也就形成了山水画题诗的自娱、娱人的美学特征。在历代的山水画题诗中都表现出了这一特征，如，宋朝的黄庭坚诗，“画取江南好风日，慰此将老镜中发。”用江南山水的美景，来宽慰山谷怀乡的情思，表现出山水画娱人的艺术功能。元代倪瓒诗，“排闷不须千日酒，聊将水墨画龙蛇。”画家不用饮酒消愁，只要提笔画出《竹木图》，就可以消除烦恼，足见绘画艺术有自娱、娱人的艺术功能。

以上说的七大特征，都是诗画结合的重要性的体现，每一个都是题诗后表现出诗中的意境，使人有种身临其境的感觉。如果一幅作品中只有画没有诗，也就大概不会有这种感觉吧。

诗歌是对画的诠释，我认为诗画结合也是绘画艺术发展的必然结果。中国绘画经历了上千年的历练与积累，才有了今天的这么多优秀的作品，才产生了那么多的绘画技巧。

总之，诗歌与绘画是一个整体，两者的结合能使画面更加生动，山水画的意境更加的浓郁。就像诗歌结合的美学特征中讲的，绘画艺术不能表现动态事物持续性动作和声音，这些短处可以通过诗歌来补足，正如画论中讲的“画难画之景，以诗凑成”。特别是在山水画中加以补之，使之更加生动、逼真、意味深长。因此，诗与画兼不可少，两者却缺一不可，诗歌结合才能让赏画人体会到画中真正要表达的意境，将人带入到画中。