学院派原来是这样

周洁

有人说，唱美声的往往都是大码身材;有人说，美声太高雅而自己水平不够;还有人说，用美聲唱流行是道不同不相为谋……然而，最近一档豆瓣评分9.1，被观众们戏称为“神仙打架”的综艺节目《声入人心》刷屏社交网络，让不少美声的门外汉惊呼，“原来美声还可以这样，真是打开了一扇新世界的大门！”

不仅节目中的年轻歌唱家们成功出圈，作为出品人的国际著名男中音歌唱家廖昌永也被网友们大赞可爱、慈祥、接地气，就像爸爸一样温暖，收获了大批粉丝。

宽柔以教，和而不济，谦谦君子，温润如玉。

在冷空气袭来上海的这一周，记者见到了上海音乐学院副院长廖昌永。现实生活中的廖老师比电视上看上去更加瘦削、挺拔。因为多变的天气和繁忙的行程，采访当天廖老师身体有些抱恙，但依然用“天鹅绒”般的嗓音向《新民周刊》讲述了节目背后的故事，娓娓道来时，既有大师的视野与风骨，又那么亲切而平易近人。

美声是指“美好的歌唱”

《新民周刊》：《声入人心》是您参加的第一个综艺类的电视节目，这背后有什么样的故事？

廖昌永：当时节目组的总导演、总制片专程来上海找我，说要做这样一档节目，征求我的意见。我本来对选秀类节目是有担心的，但是聊完发现，（他们）与我的很多想法不谋而合。

目前社会上对古典音乐，对歌剧和音乐剧的了解是非常片面的，特别是对学院派的教学很多人不了解，如果有机会能够展示我们的古典音乐，（展示）我们对于人才培养的过程，特别是对艺术家的培养，大家对学院派就会有更多的了解。

另外，大家对美声也存在误解，甚至包括很多我们学校的老师都认为美声就是美好的声音，认为歌剧演员只会唱外国的咏叹调。所以，我也想把节目当成一个科普的平台，让更多人了解学院派，了解古典音乐，了解学院派的教学规律和过程。至少，让他们知道现在我们的歌剧演员、音乐剧演员，不全是胖胖的，站着不动的。

节目做了以后，我很开心。因为最初面临很多不确定性，包括导演组在内，我们是抱着“失败”的心态来的，但是节目播出后口碑很好，豆瓣的评分很高。节目的赛制也不错，从独唱到二重唱，再到三重唱，后面是组队，大家相互学习，注意力不只是在声音上，还有对歌曲如何理解、如何表达、如何呈现。如果是重唱的话，还需要顾及到同伴，怎么唱起来和谐，让歌唱起来是好听的。

现在很多朋友看到我都会说，“看了节目才知道，原来美声那么好听”。美声其实是bel canto（美好的歌唱），不只是美好的声音。

《新民周刊》：节目中出品人在点评选手演唱方面都挺温和的，有严厉的一面吗？

廖昌永：如果大家看花絮的话，我们在排练过程中还是非常严厉的。大家对于我们音乐学校的美声教学不了解，如果走进音乐学院的课堂会发现，其实我们在平时的教学过程中是蛮活跃的，老师在上课时的手法也非常多，有时风趣，有时又很严格。

我想把节目当成一个科普的平台，让更多人了解学院派，了解古典音乐，了解学院派的教学规律和过程。

当然，他们毕竟还是年轻人，你不能把他们当做多明戈、帕瓦罗蒂来要求，我们得允许他们犯错误，同时发现他们的进步空间。教育其实就是批评和鼓励的过程，一边告诉他们不足的地方，一边建立他们的自信心。

《新民周刊》：在节目中，选手们演唱了很多意大利语的歌曲。其实，他们是真的会说，还是死记硬背？

廖昌永：当然是要学习语言的，至少要了解这门语言的发音规律，主要元音是怎么发的，辅音是怎么发的，它的语言逻辑重音在哪里，怎样读起来是好听的，在歌曲中，我们要区分有哪些词是必须要分开读的，哪些是要连读的。当然，如果能说是最好的。

《新民周刊》：节目播出后，吸引了很多的观众，希望继续做第二季吗？

廖昌永：很多人跟我说，美声、古典、音乐剧离我太远了，但是看完节目发现真的挺好听的，（听到这些）我很欣慰。节目第一季，往往有投石问路的意味，我当然还是希望它能继续做下去。如果继续做的话，我希望节目能够更精美一些。既要好看、好听，也能够给观众们留下点什么。

《声入人心》人气成员。

声乐教育也要与时俱进

《新民周刊》：节目中有不少歌单都是现在的流行音乐，您觉得美声能够唱流行吗？

廖昌永：很多人对美声有约定俗成的误解，认为我们歌剧演员就只能唱歌剧，要是我们唱了流行就是冒天下之大不韪了。其实，我曾经在十年前出过两张唱片，一张是《情释》（2007），另一张是《情缘》（2010），都是流行歌，当时我在做这两张唱片也有很多人不了解，说我怎么突然唱起流行歌来了？后来我跟我的老师周小燕先生讨论，周老师问我怎么唱，我说用美声唱，周老师说我支持你。

其实歌曲的演唱，从发声的技术上讲，是分成通俗、美声和民族，但是，归根到底，不论用什么方式演绎，都是为了唱好听。我当年跨的是演唱技术的界限，但更多的是，跨界之后，我们要做的是借鉴。所以我的“跨借”是“跨越借鉴”。

我希望用美声的发声技术来丰富一首歌曲的层次、色彩，（从而增加）歌曲的张力。我是把它当做一个艺术歌曲在唱，所以我唱出来势必跟流行歌曲有不同，因为我是从另一个角度去演绎这首歌。

在节目中，我们年轻的歌唱家唱流行歌，我觉得没什么不可以。两种唱法会有碰撞，碰撞后一定有火花产生。另外，唱流行音乐还可以激发他们的创造力——我们如何把歌唱得跟莫文蔚不一样、跟李宗盛不一样，这就需要我们的原创力，而不是单纯的模仿。

对于流行歌手来说，他们也需要歌唱技术的支撑，如果只是凭着天赋，没有系统的训练，那唱出来的流行歌曲可能会比较单一，可能不会长久。如果有歌唱技术、音乐修养等各方面来保证，他们能够走得更远。

《新民周刊》：其实，这些年您也一直在做古典与流行融合的工作。

廖昌永：这些年我一直致力于中国艺术歌曲的创作，做了“中国艺术歌曲百年”音乐会，“毛泽东诗词艺术歌曲”音乐会、“风雅颂”范曾诗词艺术歌曲音乐会等。去年和今年，我又分别做了《春思曲》《我爱这土地》等作品，作品出来后，在社会上引起了非常大的反响。

于是我们乘胜追击，在今年还举办了中国艺术歌曲国际声乐比赛，也引起了非常大的反响。这次比赛的筹备工作其实很紧张，从发布消息到报名到比赛，只有短短一个月不到，但来自全球的报名参赛者多达627位，最终我们挑选了60位来上海参加复赛决赛。我们还对决赛进行了网络直播，观看量很可观，在业内也获得了非常好的口碑。作为中国艺术歌曲的第一届比赛，能得到这么好的反响，真的非常欣慰。

跨界之后，我们要做的是借鉴。所以我的“跨借”是“跨越借鉴”。

不仅如此，我们邀请的评委中，来自德国基尔歌剧院的艺术总监莱茵哈德·林登和德国卡尔斯鲁厄音乐学院院长哈特穆特·霍尔听完比赛后，当即表示希望在德国成立一个中国艺术歌曲研究中心;另外赵季平、陆在易两位著名作曲家也给予了非常高的评价，我们相信，这对中国艺术歌曲的创作和推广是有非常好的帮助的。

王晰演唱《她真漂亮》。

昨晚（12月4日），我们又办了纪念上海音乐学院民族声乐专业创办60周年暨王品素先生诞辰95周年的纪念活动。王品素先生作为中国民族声乐的开疆拓土的一位泰山北斗，我们借此机会挖掘整理了老一辈艺术家的教学经验，在继承前辈经验的基础上，继往开来，弘扬上音的师风、学风，再创辉煌。未来，我们还会陆续开展上音老教育家的研究专题，指导我们今后的教学。

另外，这些年上音在中国民族歌剧的创作方面也取得了非常好的成绩。我记得2014年两会时，我跟习总书记汇报准备做“上海三部曲”的歌剧。回来后，我们做了《一江春水向东流》，当年就被人民日报评为年度最好的五部舞台戏。后来我们又改编了歌剧《日出》，也获得了非常好的口碑。

这两年，我们在林院长的带领下，陆续创作了《汤显祖》和《贺绿汀》两部歌剧，都是100%上音原创的作品。其中《汤显祖》还于今年初受邀参加欧洲青年歌剧节的开幕演出，这是中国的艺术院校第一次受邀参演，一演就是开幕演出。演出结束后，当地专家、同行们都留下了非常深刻的印象。我们的原创歌剧《贺绿汀》更是被评论为艺术性、革命性、思想性兼备的优秀作品。

《新民周刊》：两部歌剧的演出者都是上音的师生？

廖昌永：这两部歌剧的演出过程中，除了极少数重要的场次是我唱，其实都是学生和老师上场。

廖昌永做示范。

这几年，上海音乐学院在改革举措上的动作是比较大的，特别是对艺术实践课程的设置，我们的学生可以从三年级，甚至在二年级时就有机会参加这样高水准、高强度的剧目排演，对于我们的课堂教学实践有非常好的补充作用。

而且，在演出过程中，学生还能接受革命教育。比如，在邵陽参观贺先生的故居;在北京参观天安门、国博……巡演的过程就好比是一个移动的课堂，除了专业教育，学生的思政教育也跟上了。

这种现场的学习，比关在教室里的学习效果要好得多。比如《汤显祖》排戏过程中，孩子们对中国文人的骨气，中国人的家国情怀，对我们的传统教育有了更深的理解，每次演出完都热泪盈眶。而演出《贺绿汀》后，他们油然而生一种自豪感——跟贺先生在一个学校学习，是多么荣耀的一件事情。

演出市场还需“活化”

《新民周刊》：在节目中，很多选手也都提及希望通过这档节目能让观众走进剧场。目前我国的歌剧、音乐剧市场大概是怎样的？

廖昌永：在全国范围内，北上广深这样的一线城市，其艺术演出市场氛围自然是会好一些。但现在西安在打造音乐之城，成都在打造世界音乐之都，各地都在努力推动文化建设。

但现实情况是，全国各地修建了很多文化中心、大剧院，这些地标性的建筑是建好了，却可能出现卖不动票的情况，可能会出现演出人员比观众还要多的情况。

人家说声音之道，丝不如竹、竹不如肉。其实人声是非常美的，因为它有情感，开心的时候、难过的时候、愉悦的时候，出来的声音都是不一样的。所以我希望大家看了节目以后，能够有兴趣走进剧院，现场听会比电视里看更有冲击力。

我更希望通过这一档节目，推动我们的古典音乐市场，推动我们的剧院有更多的内容，更多的观众走进剧院，盘活我们国内的剧院、剧场。

事实上，去年一年，我们的歌剧原创剧目就有170多部。这是很了不起的。当然，我还是希望我们在做这些的时候，要尊重艺术规律，不要大跃进式的，我们要创造出高水平、高质量的艺术剧目。

《新民周刊》：为什么国外的歌剧、音乐剧可以一演就是十年？与他们成熟的市场相比，中国的歌剧、音乐剧市场有哪些不足，或者可以改进的地方？

廖昌永：做一部剧，其实首先要做的是市场调研——规划有多少年，准备亏本多少年，准备在多少年后盈利，制作过程中要反映什么主题——这是一个非常严谨的制作过程，国外的戏往往一开始就会按照十年的规划来做。而除了剧本身，还会考虑剧的延伸产品、全球推广等。比如一个戏确定了十年的演出周期，就会每天演，因此剧场的设计、座椅的设计都是按照十年的规划来的，投入也是巨大的。

但在国内，我们目前可能只关注到了经济收入，没有看到投入和制作的这个流程。也没有考虑演员的培养，舞台的磨合，公演之后的社会公关、市场的宣传等环节，造成了我们快速创作、快速收尾。

《新民周刊》：那怎样才能让更多观众愿意走进剧场？

廖昌永：演出市场，有时候是“戏包人”，大家因为一个戏熟悉了一群演员;也有时候是“人包戏”，观众是因为喜欢这个演员，让一部戏火遍大江南北的。作为我们演员来说，尽心尽力，把这部戏演好，制作方把钱花在该花的地方。只有高质量的作品才能吸引到观众到剧场里来看，否则，即便是来了几个大牌的演员，如果是不珍惜自己的羽毛，被这部戏毁了那也是有可能的。

所以我觉得不论是制作方，还是演职人员，大家每个人都要对得起这份工作，对得起团队的付出，如果每个人都能以这样的心态演出、制作作品的话，我想中国的文艺再攀高峰是有希望的。