物我之间

黄利

以通过严格训练、师生相承、层层因袭而重视题材、技巧、艺术语言等多种规范为主流导向的传统学院美术，在今天多媒介传播、艺术表现形式多元的时代，已然出现了从图像到观念的巨大变化。作为学院中的青年艺术教育者，兼具“承上启下”的双重身份——创作者和传播者，又承担着体验与发现、创造与批判、主体与客体的艺术使命。

湖北美术馆自2014年开始实施“学院空间”展览项目，旨在为本土青年艺术家提供作品展示的公共空间与开放的交流平台，发现和探讨有趣的群体或个体艺术现象，从而促进与活跃湖北美术的发展。2017年3月底开幕的“物·我——学院空间与社会空间”展览，是基于此前三届“学院空间”之上的一次阶段性、小结式的话题集结，尝试以“物与我”的话题为切入点，拓宽 “学院空间”的关注视野，通过作品展示及叙述展开对话与讨论。展览分为“物·我”、“传承·博弈”、“读图·对话”三个部分呈现，参展艺术家多来自省内各大艺术高校的青年教师，作品主要包括两方面的内容：一是对记忆中某些事物的感知再现；二是对当今时代、环境的思考和观念的表述。

“物·我”是艺术家在创作过程中主观见之于客观的交感活动，客观事物以其具有情绪内涵的外观形象，唤起艺术家内心的情感体验。作品表达既观物又观我，显现于外的物与内在隐性的“我”或浑然一体，或物我相忘，游走物我之间。郭子的《没有树叶的森林》，流畅的简笔线条勾勒出的树桩下，是森林中没有树叶遮掩的各种“裸露”在外的动植物形象，明快的色彩映衬的是没有保护层的不安全感。这种直接的视觉体验，是“物”的生命与“我”的生命的交互，精神与物质的内在相通，将物的特质转化为绘画的气息。李纯陶艺作品《印痕·人物》系列中，一个个陶制小人儿或站立或坐卧或与动物玩具组合，形体动态以及搞怪的面部表情变化使得整组人物生动形象。而高低错落的墙面立体布局很好地达到作品展示的效果：观者会忍不住要凑近仔细观看每一个小人儿的形态特征，尤其陶土的原色及制作过程中的划痕，无不是作者用心观察生活、感悟生活的凸顯。李中军的水墨《虫·丛》，是浓墨勾勒的昆虫和淡色描绘的枝叶两种元素间的虚实穿插，以最本原的黑白二色，产生出物化自然、接近自然的艺术效果，从而达到借物抒情的这种含蓄而整体、凝炼而单纯的水墨意境。

学院的经典传统和现代探索间的“传承”与“博弈”是本次展览主题的直接体现之一。王苑的水彩作品《伊卡洛斯之山海》是对她所认知世界的想象力再现，她将神话中描述的每一动物的身体从中间划分为二，隔着向远处无限延伸的重重山之“河”，分别出现在画面左右，看似是首与尾的分离，实则是由此及彼的隐没与显现的循环往复。这种天马行空的想象，是对灵魂的释放，亦是人生哲学的思考。看唐满文的《备忘录》，会被画面中数量众多及形象各异的场景所震慑。动物的生存空间已经很逼仄，这幅画活像《动物世界》中的一出大迁徙现场，是唐满文基于个人独特视角下的对人文和自然环境的深沉关怀。而在艺术表现手法上，更是将剪纸、茶渍、篆刻治印及水墨等多种艺术样式融入铜版画之中，个性化的艺术图式跃然纸上。刘吾香的漆器作品是她属于女性温柔而细腻的情感抒发，借由其作品散发出深厚的文化铺陈，期盼和观者展开一场心灵互动的对话。作品中流露出的对传统精神的反思，是新潮与历史的碰撞融合，以漆为载体的传统工艺和当代观念，皆在以漆造物中实现转换。

作品中的“可辨识图像”是艺术创作者在公共空间内直观有效地与受众建立“读图”与“对话”联系的重要存在。“影”系列是严尊创作的一组很有意思的装置作品，利用灯光折射、数字代码等使物体与其影子之间产生或动或静的空间关系的展示，尤其是作品中没有物体而只有“投影”时的物质缺失，使观者通过想象去感知物质的存在体积和空间，在与作品的交互过程中体会影子带给自己的乐趣。简小敏的动画作品《他的城》有着很强的个人意念表达意味。城市的高楼大厦林立，钢筋水泥、车水马龙间，人们已无处安身，想要像鸟儿一样飞出去逃离挣脱这令人窒息的空间，寻找身体的自由和内心的宁静，可是又总被生活的洪流吸入进去，不自觉地向现实低头。张润的作品《羽化·记忆时空》是将自己的记忆碎片以曾经亲历过的场景中的物质作为载体来呈现。人的生命在医院冰冷的器械冲击下显得脆弱又顽强，这种情感体验和对生存意义的思考从而使作者选择通过装置艺术去转化。

艺术创作者绝不是孤立于社会文化之外的独行者，尤其是集创作与传承于一身的艺术教育工作者，他们在自身作品的创作表达上，往往更纠结于视觉、观念、媒介、话语、体制等复杂的实践中。摆脱从前那种只关注风格的孤立、狭隘的自我发展空间，而在更完整的当下文化语境下关照创作行为本身，即是物我之间的最好平衡。

责任编辑 吴佳燕