浅谈艺术表现在绘画创作中的重要性

严腾君

摘 要：本文从绘画的艺术表现的角度，探讨通过艺术表现追求绘画的本质和内在，从而使作品产生特定的艺术效果。分析创作过程中达到艺术表现的条件及其存在于不同艺术领域中的状态并且对于绘画作品可以产生艺术魅力的重要意义。

关键词：绘画 艺术表现 意义

绘画创作中的艺术表现既能反映出画家在绘画中技法的应用，又能体现出画家的修养及经验。所有人都力求做出好的艺术作品，好的艺术作品一定是通过具体的艺术表现使其具有了特定的艺术魅力。

一、 艺术表现对于绘画创作中的重要意义

1.如何通过艺术表现使绘画创作具有感染力

艺术表现，是指在艺术作品中所表现出来的感染力，也是使作品具有艺术性所具备的条件。要想作品有较强的艺术表现能给观看者留下深刻的印象，就要有扎实的专业技能。艺术家会发挥其自身最大限度的专业技能完成一件艺术品，这些技能包括场景构图，人物或物体的塑造以及黑白构成、透视、色调、虚实、肌理等各种语言的应用，以此来为主题服务，使绘画创作具有感染力。同时，保持画面均衡、色彩明亮的效果也是使绘画创作具有感染力的前提条件。在观察一幅好的油画创作作品时，油画本身的色彩明暗关系是均衡的，在很多不同的颜料混合下保持着色调的统一，整个画面给人带来一种稳定感，这种稳定感能经受住时间的考验。当一幅画在画廊里展出时，会有各式各样的人会对它加以评判，有些是肯定，有些则否定。有时画家刚完成的作品认为已经满意了，但放了一段时间后又感到并不是那么好了。甚至有些历史名作在观者眼里仍然有争论，经受着各种考验。所以，要想使画面有好的艺术表现是一件非常不容易的事。

在油画的创作中，运用色彩的强度和明暗等艺术表现决定着画面是否有着响亮的效果。在观察过一些古典主义的绘画后，我发现画家是非常注意技法的运用和控制色彩的纯度和明度的，如果不能熟练的驾驭色彩，就会使得画面显得很灰浊，不能达到响亮的效果。在一些大师的绘画作品中，例如鲁本斯、委拉士贵支等，有的用光线充满了整个画面，使之与整幅画面的色调相融合；有的则是利用对比调子的明暗把光线合理分配。

优秀的画家在明暗与色彩关系的表现上能够控制光的使用，例如在马尔奎的绘画中明暗之间的对比关系非常微妙，通过加入一点点白色使得整个画面的内在精神能够展现出来。如果不弱化这种对比，光暗之间的关系则会破坏作品中所透出来的意境。同时还要适当地处理色彩强度和光暗关系，保持两者之间的平衡。

在艺术表现中技法知识的运用中，我们应特别重视对白颜料的使用。优秀的大师在绘画中很注意控制白颜料的使用，一些人刚刚接触油画时，往往在调制颜色时会使用过多的白色颜料，这样做往往不会使画面变得更亮，而是变得更灰，因为失去了一开始画面中色彩的明度和纯度。同样的，笔触的运用对于表现上也是十分关键的。通过长时间形成起来的用画笔的习惯会展现出一种响亮的笔触，从而使整幅画面产生很光泽的效果。如果遇到画面的效果没有达到之前所预期的感觉，这时候不应该反反复复的用笔在画面上蹭，而是应该用刮刀把不满意的颜色刮去，避免失去对画面的新鲜感。诸如这样一些艺术表现的方法会使画面达到某种预期的艺术效果。此外，肌理也是艺术表现的重要元素，作品表面色层的薄厚，或粗糙或细腻的质感，同样可以传达作者不同的情绪，使作品更具有感染力。

2.关于音乐的启示

造型艺术通常以人们的视觉需要和习惯为基本依据，是一种依靠视觉而成立的艺术。在我们的生活中，人们都喜欢欣赏令人愉悦的风景，同样我们的耳朵也习惯于去聆听优雅的旋律。不是什么东西都是美的，人们不一定喜欢看真实的东西，也不是所有的画都可以拿出来供给别人欣赏的。同理在音乐领域中，如果作曲家把生活中所遇到的无论好事或坏事全都融合到他的音乐中去，所表现出的效果会是令人难以忍受的，所以他的音乐是得不到认可的。

从音乐的角度来说，即使在歌曲中要表现出一种痛苦的思绪，作曲家也应该要以人们可以接受的声调渗透到每个音符中，转化为朗朗上口的旋律从而使人们每当听到这种甜美的哀怨时得到的却是一种对音乐的享受。相应的，在造型艺术当中也存在着相同的道理。造型艺术不像音乐的乐音会在转瞬间消失，它则是一种有存在感的空间艺术。在美术馆里的绘画或装置作品都是在一段较长的时间内向公众展示的，如果一件作品产生一种使人心理上不悦的感觉，观众是无法忍受这种视觉上的痛苦。

二、 艺术表现在绘画创作中的艺术法则

1.绘画艺术表现中的情感因素

在画面中流露出真情实感是画家绘画的动力，也是艺术创作的灵魂。虽然没有把真正的感情投入到绘画创作中也是可以画画的，但是这种机械的艺术是并不具有很大艺术价值的。内心的感受有着它的永久性和不变性。对于自己所喜爱的绘画主题和表现技法，真正的画家不会轻易取舍或随便放弃的。

作品中的真情实感源自于画家对生活中细致入微的观察中得出来的感受。从感受中体会到强烈的创作欲望进而展现出作品的主题。通过作品主题的选择，我们也可以看出画家的思想境界和对艺术的理解。

用发自内心的情感观察身边的事所激发起来的创作欲望是明确和单纯的。所以对主题的选择要简单化，因为如果内容复杂的话则需要繁琐的说明去解释，从而会使人感到厌烦。在绘画过程中，我们需要仔细观察要绘画的对象，要把它使你感动的点画出来而不是面面俱到的把所有看到的东西都表现出来。

在创作一幅画的过程中并非一定就是理论要凌驾于实践之上，感受性是很重要的，在我的毕业创作里，画面的主体是正在玩耍的小孩儿，当看到天空中出现了一只即将欲火的凤凰时停止了游戏，心灵纯净的儿童惊恐的观望，他们思索眼前所出现的景象。沉重的围墙阻拦了孩子们通往外面的世界，通过对小孩的刻画暗示他们对未来的一种期盼。这些孩子是我在前几年去山区中写生时拍下的一些照片，在他们的童年里，没有现代的娱乐和高科技电子设备，玩的只是28自行车和相互的追逐、嬉戏。在我和他们相触的时间里，我了解了他们的内心想法，他们渴望有书读，渴望能够改变自己的命运，希望得到社会的帮助。我希望可以用我内心的感受反映到画面中去，呈现给观众一种自由，重生，改变命运的谛皆昭示。

此外，除了观察周边的事物，外出旅行对艺术家寻找新的灵感和感情也是非常重要的。古人云：“读万卷书、行万里路”，不仅仅要积累经验、增长见识，我们更要学会去捕捉对事物的新鲜感受。创新对于一个艺术家来讲是取得成功的关键。即便在同一个创作主题内也要寻求新的改变。我认为如果没有新的情感或灵感的注入，画面的那种能打动人的地方也就随之消失了。在作画之前，需要考虑周到，想好在画面每个地方最终所要表现出的效果，保持住对画面的热情，把自己最真实的感情流露在画面当中。

2.个人绘画特点和独特的绘画技法

通过画家在创作时的不同风格可以透出画家的个性。对于个性，起到影响的方面有很多，虽然个性的某些方面是天生就有的，但我认为艺术个性则在很大程度上取决于后天培养和周围环境的影响。在一些大师的早期绘画作品中，我们并不能看出他们与同时期画家们在艺术表现上有多大的不同，但在后来的不断尝试中，他们找到了适合自己的绘画语言，进而自己的绘画风格也就自然而然的形成了。但是这种艺术表现并不是在短时间内形成的，有些人在自己的绘画技巧和对艺术的理解还在一知半解时就盲目地追求个人风格，这样的结果会使得画面显得很空洞，没有内容。因此，一件优秀的绘画作品是可以从画家的艺术表现风格中看出画家的性格特征和艺术造诣的。

创新对于一个艺术家来说是非常重要的，但有自己的独创性并不是指绘画出一些只是自己认为很出彩而别人琢磨不透的、很奇怪的东西。这些所谓的“独创”已经脱离了人们的审美观念，与要追求的创新是没有联系的。

通过夸张的艺术表现手法可以使自己的画面富有创新，但如何控制住画面的表现手法使得作品不会超出大众的审美理念、获得一定的审美价值，是非常难掌握的。因为对于一切美的东西来说它都是依附于一定的道理存在的，都有着它自身的规律，所以在绘画过程中需要画家创造出一个属于自己画面美的形式的语言才能给观者带来享受。这种有依据的美需要符合画面中的艺术规律来完成，其中包括色彩对比，物体之间相互呼应，避免对立的东西存在，使之把画面中所有内在的表现形式统一起来，从而实现自己独特的绘画技法。举例来说，在前一段时间我关注的英国画家珍妮·萨维尔，她就以表现夸张的女性裸体为主题。在她的画面中，她用明确有力的笔触展现出女性巨石般的体格和健壮的肌肉。尽管她把女性的美做了夸张的变形，但这种真实感受的来源于她对女性身体的理解，在创新中融入了熟悉的艺术元素并明确地表达出一种多元的视觉感受，因此显示了她在绘画艺术领域中独特的艺术表现和潜力，使她的作品给人一种极大地魅力。

然而，我们又不能完全的把其他艺术的个人风格完全照搬过来的，因为风格的形成是根据在自己所处的大环境下自然而然形成的，不要一味的跟风，我们应该用自己的思想去创作。在绘画手法上，可以去临摹自己所喜欢的，然后再和自己所感兴趣的内容相结合，找到属于最适合自己的一种表现方法，进行不断的研究。在艺术史上，人们从独特的艺术中得到享受，个人风格有时会改变那个时期整体的艺术潮流，并使艺术领域不断地向前发展。

结语

随着人们经济水平的提高，如今更多人渴望精神层面的享受，艺术也越来越多的走进人们的生活当中。掌握艺术规律，理解绘画中的艺术表现，完善自身的绘画技巧，是每一位艺术家提高自身创作水平所应具备的条件。因此，我们应当在实践过程中不断地探索艺术表现的问题进而使其繁荣发展。

参考文献：

[1]【德】莱辛著，朱光潜译.拉奥孔[M].人民文学出版社，1979.

[2]秦大虎.油画创作[M].浙江美术学院出版社，1996.

[3]弗洛伊德.创作力与无意识[M].中国展望出版社，1986.

作者单位：湖北美术学院