域外传真

艺术家：热苏斯 · 拉斐尔 · 索托

作品：展览一景：新笔迹（左），1963，木板画、金属、尼龙，34又1/4英寸×63英寸×5又1/2英寸

展馆：纽约鹿腿画廊

委内瑞拉艺术家热苏斯·拉斐尔·索托被誉为20世纪拉丁美洲的主要人物，也是动感和欧普艺术运动中的灵魂人物。在长达16英尺的里程碑式作品《笔迹，纽约》中，索托竭尽所能地鼓励观众译解类似文字的形式中包含的信息。大量金属线暴露在五块背板上，如同一纸无法阅读的乐谱。然而，当观众从侧面观看它时，作品转而变为一幅3D绘画，在展厅的空间内奔放地舞蹈。

——简·帕内塔

艺术家：埃里克 · 贝茨

作品：元素力量4，201 1，石墨、布里斯托板，17英寸×14英寸

展馆：摩根·莱曼画廊

埃里克·贝茨的近期作品延续了以往对美国历史的关注和揶揄，尤其是基于刺绣样本的绘画作品。贝茨极其细致地在密密麻麻的网格上进行创作。他的改编作品显示了优秀的绘画功力，就像殖民地时期的刺绣样本展现女性的灵巧一样。然而，贝茨在形式和内容上都进行了改造。《元素力量4》用“假冒”的针脚讽刺地高呼历史健忘症的价值——“快乐就是没有历史的人”。

——莉娅·奥尔曼

艺术家：迈克尔 · 韦策尔

作品：狩猎俱乐部，2009，布面油画，60英寸×48英寸展馆：拉蒙塔涅画廊

《狩猎俱乐部》描绘了一个不稳定的世界。在这里，一只刚被猎杀的雉鸡躺在盘中，与之相呼应的是一只以同样姿势躺在盘中的烤鸡。三盏闪亮的香槟酒杯在画面的底部出现，将观众置身于深夜的节日欢庆现场，透过椭圆边框的镜子或者窗户一窥狂欢景致。

——弗朗辛·克斯洛·米勒

艺术家：多萝西娅 · 罗科伯恩

作品：展览一景

展馆：帕里什艺术博物馆

在1970年多萝西娅·罗科伯恩举办自己的首次个人展之前，她已经在战后先锋派艺术界崭露头角。本次名为“在我思维之眼中”的展览展出了50多幅60年代末至今的作品。这些作品大多数由多个独立画面组成，她根据这些画面的色彩仔细布置。其作品组合基于黄金矩形的比例，达到精妙的平衡。

——汤姆·威廉姆斯

艺术家：托尼 · 奥利克

作品：双利手4：一致对称的站立，2 01 1，墙面标记，约6又1/2英尺×8英尺

展馆：肖珊娜 · 韦恩茨画廊

托尼·奥利克将绘画的最基本元素——一个绘图工具、一个使用工具的媒介、一个表面以及在绘画过程中流逝的时间——升华到令人叹为观止的程度。奥利克双手握笔，将身体的每个部分全部投入到创作之中，用重复但多变的动作作画。作品就在他仪式化的高难度动作中完成。

除了10幅纸上作品（均创作于2011年），奥利克还有一幅墙面作品。该作品分为三个部分，每个部分的创作都耗时4个小时。在这4个小时里，他站在同一个地点，双手在所能触及的全部范围内同时对称地挥舞。在规定的4个小时内，线条不断蔓生，浓密杂乱地聚集在一起，形同被好奇心所纠缠的两个大脑半球。

奥利克展览上播放的DVD记录了这位艺术家、训练有素的舞蹈演员的创作过程。其作品优雅精确地赞颂了人体的对称性和比例，动态再现了达·芬奇的《维特鲁威人》。

——莉亚·奥尔曼

艺术家：海莉 · 贝克尔

作品：大教堂5（他们的手臂），2 011，板面油画，12英寸×16英寸

展馆：查尔斯 · A · 哈特曼画廊

如同海莉·贝克尔为其作品赋予的人格化的名字，在她的展览上，树木成为伙伴，溪水在浅唱，风在低述神秘的故事。《大教堂5（他们的手臂）》从昆虫的视角表现了从绿茵铺盖的苍穹中瞥见的静谧天堂。

——苏·泰勒

艺术家：科尔斯顿 · 艾弗伯格

作品：飞利浦进出口，2011，布面油画、瓷釉，6英尺×5英尺

展馆：1301 PE画廊

艾弗伯格作品表现出的娴熟技巧与绘画中的平民化情调并不一致。虽然构图中有无限巧思，恣意的笔触呈现出“你也可以画得出”的意味，然而，这种意味正是作品的魅力所在。在这批作品中，艺术家首先用油画颜料做底层色，之后在表面滴入瓷釉。这种手法通常被看作具象主义的一部分。当这些处理出现在抽象的区域时，画面的清晰程度就增强了。

——安妮·巴克利

艺术家：塔林 · 西蒙

作品：动物尸体，2 0 1 0，胶质玻璃材料喷墨打印，9又1/4英寸×22又3/4英寸×2又1/2英寸

展馆：当代艺术中心

塔林·西蒙的展览“走私品”陈列了546幅照片，展示纽约肯尼迪国际机场海关收缴的违禁物品。这些从远距离进行拍摄的照片勾起观众对更多细节的渴望。展览描述了全球化背景下物品禁运运动的概况和仍然存在的文化间的差异。

——埃伊菲·罗森迈耶

艺术家：奈丽 · 巴格海姆

作品：展览一景，2011

展馆：丹尼尔 · 巴克霍尔兹画廊

简约主义的消逝使传统雕塑的表现方式步入一段艰难时光。如今“雕塑”已经成为拼接、修饰、重塑现实物品的同义词。和从前相比，它从外形或意义上更接近于所要表现的对象。奈丽·巴格海姆的最新作品正是在追问传统雕塑技艺在当代是否还能占据一席之地。展览陈列了几件桌子造型的物体，桌上彩色的硅胶垫被挖出不同形状。色彩、质地各异的硅胶垫粗糙、不均匀，慢慢向凝胶状的条形过渡，最后消失不见。

——莉娅·奥尔曼

艺术家：姆拉登 · 斯蒂林诺维奇

作品：斯蒂林诺维奇公寓一景：红—粉红，20世纪70年代

姆拉登·斯蒂林诺维奇是前南斯拉夫最杰出的艺术家之一，也是一位中欧概念艺术先锋。他的作品时常挑战自己所处的社会、政治、经济局势。在20世纪70年代创作的作品《红—粉红》中，一排排的图画像在沙龙里一样被摆放在墙上，象征鲜血的红色反复出现，但是逐渐趋向于不稳定，转变为其他颜色。

——格雷戈里·沃克

艺术家：利兹 · 玛格尔

作品：伊托尼亚，2 0 11，木头、纺织品、金属、线， 57英寸×24又1/2英寸×2又1/4英寸

在过去的40多年里，利兹·玛格尔创作了大量以睡眠及睡眠用品（包括床、床单、睡袋等）为主题的作品。《伊托尼亚》粉、蓝、黄色的格纹上被艺术家缝制了色彩并不和谐的“补丁”，而这些“补丁”下面并没有需要遮掩的破洞。这幅精妙的作品流离于“家”和“无家可归”的情绪之间。

——E·C·伍德理

艺术家：泰勒 · 戴维斯， 尼克尔 · 凯鲁碧尼

作品：展览一景（由左至右）：20只狗、182、橙色阳光，2011

展馆：纽曼·波皮阿什维利画廊

戴维斯和凯鲁碧尼在纽曼·波皮阿什维利画廊首次亮相，其展览名为“钴蓝”——一种常用但带有剧毒的蓝色颜料。展览陈列的9件作品均完成于2011年。其中，一部分作品可称得上既动人又诙谐，比如顽皮的姐妹篇《橙色阳光》和《一个人的表演》。两幅作品主体均为壁挂木质支架上安放的粗陶板。其中，《橙色阳光》象征流逝的浮云。

——克里斯托夫·斯达克豪斯

(左) 艺术家：雷内 · 马格利特

作品：脱下面具的宇宙，1932，布面油画，36又1/2英寸×28又3/4英寸

背景墙纸设计者：托马斯 · 迪曼德

(右) 艺术家：路易吉 ·吉里

作品：费拉拉，1981，色素打印，9又1/2英寸×6又1/4英寸

展馆：马修 · 马科思

这场由托马斯·迪曼德组织的群体展意味深远又独具匠心，旨在展示介于现实和表现之间、催生出无数艺术作品的奇妙地带。展览的起点是雷内·马格利特探索视觉及语言符号与符号描述对象之间脱节状态的作品。自然世界在人类文化中的形态是本次展览不断呈现的主题。迪曼德网罗了过去150年里18位艺术家的作品，这些不同类型的作品（包括雕塑、绘画、摄影、电影）在主题上产生呼应。

展览还展出了一件迪曼德自己设计创作的墙纸作品作为马格利特绘画的背景。这幅墙纸上的红色窗帘图案乍看上去似乎是一般窗帘的照片。但仔细看窗帘的皱褶，人们就会发现照片的主角实际上是纸质模型。

在这场展览上，还能看到许多来自欧洲和非洲的新作品。其中最引人注意的是意大利摄影师路易吉·吉里（1943—1992）的作品。它们取景于植物园、游乐园和旅游胜地等，这些正是人造自然与自然本身产生碰撞的典型地点。

——安妮·多兰